MalaMusic | La pequeña caja de música

jueves, 29 de enero de 2009

Howe Gelb

Howe Gelb, embajador de la erosión

El líder de Giant Sand, la banda que albergó varios años a Joey Burns y a John Convertino antes de la aventura de Calexico, es una caja de sorpresas. "La gente cree que soy aquello que me llaman. En Inglaterra se refieren a mí como el padrino del country alternativo. Otros me denominan uno de los fundadores del rock del desierto. Y todas son etiquetas restrictivas. Si quieres llamarme algo, llámame el embajador del erosion rock".

Gelb acierta con el símil: siempre ha tendido a lo mutante, y sus canciones son proclives a la deconstrucción. "Para mí es algo natural, como lo era para los músicos del bebop que cambiaron la música en los cincuenta. Es el camino que escogí, y de ahí mi situación marginal en el mercado, pero también el secreto de mi longevidad. Gracias a ello el oficio aún me resulta excitante".

¿Howe se compara con los jazzmen? No tan raro: admira profundamente a Thelonious Monk y por fin ha publicado, en su propio sello, el disco de piano que venía acariciando. Pero vayamos a Giant Sand. Su primer álbum data de 1985. Y tras una veintena, acaba de publicar el brillante Provisions (Yep Roc / Discmedi), que probablemente no tendrá la repercusión del de Calexico. "Para mí el triunfo es seguir haciendo música. Nunca he tenido representante. Sólo ahora he contratado uno".

Quizá la magnífica acogida crítica de 'Sno angel like you (2006), su obra previa, firmada como Howe Gelb, le ha dado ánimo para exprimir algo más su imagen genialoide. Aquella vez le respaldó en el estudio un coro canadiense de gospel. "Al principio no sabía que estaba haciendo un gran álbum pero, visto lo visto, pretendemos sacar también uno en directo con el coro. Ahora que ya soy mayor, me gustaría entregar discos que suenen mejor que nunca".

Howe no anda corto de amigos. En Provisions colaboran Neko Case, M. Ward e Isobel Campbell, y se incluye una versión de un tema de PJ Harvey, The desperate kingdom of love: "La tocó para mí hace muchos años, nada más escribirla, y le dije que era una de las diez mejores canciones que había oído nunca".

Howe Gelb (Wilkes-Barre, Pensilvania, 1956) no se ha vuelto apocalíptico. Sólo busca comparar su música con los cambios del paisaje de Arizona: "Nada lo caracteriza tanto como la erosión. Incluso el nombre de mi grupo, arena gigante, refleja eso. ¿Qué es la arena? Roca erosionada". Y el secarral de Sonora no posee secretos para él: una inundación en Pensilvania obligó a su familia a instalarse en Tucson en 1972.

Sus lazos internacionales le llevaron a completar Giant Sand en el último lustro con un trío de músicos daneses. "Al principio con ellos predominaba lo acústico, pero después fuimos incorporando electricidad. En mi caso, suelo asociar lo segundo a una vida más desesperada: cuando la gravedad irrumpe con fuerza y tira de ti hacia abajo, necesitas el pedal de distorsión y un amplificador".

El capo de Giant Sand también disfruta de su propia conexión española. "Mi hija conoció por casualidad a Amparo Sánchez en Tucson y la trajo a casa. Cuando hay invitados, no preparo una cena, hago canciones. Con Amparo grabé un par allí mismo, pero de momento prefiero concentrarme en mi disco de Córdoba. Ya casi la siento más hogar que Tucson".

¿Córdoba? Howe, de la mano de Fernando Vacas (Flow, Prin'La Lá), está inmerso en una obra compartida con gitanos flamencos de la ciudad andaluza. "Raimundo Amador ha metido en un par de cortes una vieja guitarra Harmony muy parecida a la mía. Y una noche actuamos juntos". Gelb se refiere al pasado 8 de julio en el Teatro de la Axerquía, dentro del Festival de la Guitarra. Además de ellos, Lin Cortés, Antonio El Perona y otros músicos envueltos en el proyecto. "Me identifico mucho con la improvisación que practican".

Su hiperactividad y la de Calexico chocan con lo que Howe piensa de Tucson: "Es una ciudad para gente no ambiciosa. El clima permite la pereza". Howe y Joey Burns (que prefirió pasar de puntillas sobre sus diferencias) no se hablan desde hace años, con el consiguiente trastorno para los múltiples amigos comunes, incluido John Convertino. "Yo les convencí para asentarnos con Giant Sand en Tucson. Luego mi mundo se derrumbó: me convertí en padre soltero tras mi divorcio y mi mejor amigo enfermó de cáncer en 1996. No me veía capaz de pensar en la música. Joey y John eran muy jóvenes, pero en lugar de tomar el mando temporalmente con lo que habían aprendido de mí, optaron por hacer su propio proyecto". Joey, según Gelb, no componía cuando entró en Giant Sand. "Él siempre ha sido muy ambicioso. Supongo que se siente un poco culpable, aunque a estas alturas no debería haber problema. Le llamé hace poco, saltó el contestador y le dejé un mensaje. Espero que me responda".

Texto extraído de El País

· Howe Gelb - Lying There ·

lunes, 26 de enero de 2009

Nick Drake

Nicolas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974) fue un cantautor folk inglés cuyo trabajo es ahora muy apreciado por los críticos y por otros músicos, aunque apenas vendió discos mientras vivió. Sin embargo, ninguno de sus álbumes ha sido descatalogado, y todos han sido remasterizados y reeditados, incluido su ‘grandes éxitos’ Way To Blue.

Drake publicó sólo tres álbumes en su corta vida - Five Leaves Left (1969), Bryter Layter (1970) y Pink Moon (1972). Five Leaves Left consistía esencialmente en guitarra acústica, con ciertos arreglos orquestales de cuerda y viento, más Bajo y batería. Bryter Layter introdujo un sonido jazz más comercial, con teclados, etc. Pink Moon, grabado en dos sesiones de dos horas a partir de la medianoche, tiene como instrumentación, aparte de la voz de Nick Drake, tan sólo su guitarra y el piano en el tema que da título al álbum. Después de grabar este disco Drake afirmó: «No tengo nada más que decir».

Nacido en Birmania por motivos de trabajo de su padre, Nick Drake creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, cercana a Birmingham. Fue a la escuela pública de Marlborough, y después a la universidad de Cambridge, donde inició sus estudios de Literatura Inglesa. Nueve meses antes de terminarlos, abandonó los estudios para lanzarse a su carrera musical.

Murió en 1974 a los 26 años, como resultado de una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para poder dormir. Se ha especulado ampliamente sobre si su muerte fue accidental o suicidio. Lo cierto es que Nick pasó los últimos años de su vida sumido en una honda depresión, que lo tuvo ingresado en ciertas ocasiones.

En agosto de 1986 se publicó una caja con sus tres álbumes que añadía un disco con 4 canciones grabadas en 1974 y otros trabajos inéditos: Fruit Tree. Este último disco fue publicado un año después separadamente con el título Time Of No Reply.

En 2004, siendo Nick Drake ya un artista de culto y a punto de cumplirse 30 años desde su muerte, se publicó Made To Love Magic, un álbum que contiene grabaciones inéditas de algunas de sus canciones, arreglos añadidos a otras y un tema nuevo, desaparecido hasta entonces.

Extremadamente sensible y de una timidez crónica, Drake no se sentía a gusto actuando en público y lo hizo en muy pocas ocasiones. Algunos de sus escasos conciertos fueron como ‘telonero’ de otros artistas folk británicos de la época, como Fairport Convention y John Martyn. El hecho de no ofrecer giras dificultó que su música se diera a conocer, y fomentó, probablemente, el declive anímico de Nick Drake.

Nick es famoso por las extrañas afinaciones de su guitarra y por su virtuosa técnica de punteo con la mano derecha. Sus letras, oscuras y enigmáticas, hablan de amor, de incomprensión, de soledad y de sueños, con la naturaleza (el mar, el viento, los árboles) como constante telón de fondo.

Considerado actualmente como un artista de culto, Drake ha servido de inspiración a numerosos músicos contemporáneos, como Elliott Smith, Robert Smith, Peter Buck, guitarrista de R.E.M. o Blur. John Martyn escribió la canción que da título a su álbum Solid Air para (y acerca de) Nick Drake.

· Nick Drake - River Man ·


viernes, 23 de enero de 2009

Melusa


Melusa nace en septiembre de 2004. Casi dos años recorriendo las salas del circuito madrileño, una primera maqueta Love me Baby Demo en 2005 y algunas reseñas en la prensa especializada dan poco a poco credibilidad y entidad a esta banda. Su sonido va desde pianos elegantes y cálidas melodías hasta guitarras rotas del estilo más directo y su repertorio cuenta con influencias como Pavement, Pixies o Nick Cave.

Melusa se formó inicialmente por Charlie Bautista (piano, guitarra y voz), Manuel Cabezalí (guitarra y coros), José Guinea (batería) y Gonzalo Magallanes (bajo).

En noviembre de 2005 fichan por el sello Junk Records y en diciembre comienzan la grabación de su primer disco Like in the Movies (Junk 07/06) 13 temas de composición y descomposición del pop. Cabe destacar la actuación de Melusa en el programa Ipop de TVE y la participación en la banda sonora del Efecto Rubick con una original versión del Heroes de Bowie.

Actualmente la banda se ha disuelto pero volverá a formarse en futuro con temas en castellano y nueva formación.

· Melusa - Should try (Like in the movies, 2006) ·


lunes, 19 de enero de 2009

Maga


Maga toma el nombre de unos de los personajes de Rayuela, esa laberíntica odisea parisina que protagonizaba uno de los grandes mitos femeninos de la literatura contemporánea, madre de Rocamadour y amante de Oliveira. Un clásico de la adolescencia el que eligieron David García (batería), Javier Vega (bajista) y Miguel Rivera (vocalista, guitarrista, teclista y responsable de la imagen del grupo a través de su personal Mundomaga).

Bidimensional (Limbo Starr, 2001), el primer epé del grupo supuso el descubrimiento de un grupo que intercambiaba en sus temas estados de ánimos casi opuestos: ascendiendo de las frescas alturas del pop para descender a los abismos de ese género indeterminado que es el desencanto. Cuesta aceptar que sólo sea un epé, tal es su peso y empaque. Cuatro grandes canciones, sencillamente. El disco fue producido por Paco Loco, grabado y mezclado en su estudio Odds Sur (Puerto de Sta. María, Cádiz) a finales del año 2000. Y un dato adicional: está masterizado en los estudios M-Works Mastering (Massachusetts) por Jonathan Wyner, responsable de trabajos para la música de Astor Piazzola, James Taylor, Ennio Morricone, Thurston Moore y Lemonheads entre otros.

El resultado es una vista panorámica ante los altavoces… como dice la letra de «Des-pi-de», el primer corte, «necesito ver colores» y los veo, chispeantes en el horizonte, brillando en el atardecer… ¡esto es algo excitante, realmente nuevo! Aún así, buscando bien, hay referentes, aquellos que nunca debimos haber perdido, y aparecen como fogonazos que te revuelven algo dentro. La excitación de unos Pixies primigenios, la brillantez armónica de los mejores Boo Radleys, la búsqueda formal de los últimos Radiohead. Y hay todavía otro dato interesante: su elegante abducción de la tecnología, punta (programaciones de ordenador) o retrofuturista (teclados analógicos), que aunque aporta una nueva dimensión (otra más), forma un mismo cuerpo orgánico con la base rock bajo-guitarra-batería.

Bidimensional fue elegido uno de los mejores epés del año por la revista Rockdelux, Muzikalia.com y el programa francés «Rockomondo» (Rheims) . El Festival Contempopránea los eligió Grupo rock revelación del 2001.

La web realizada por Miguel Rivera y Marisa Benito fue merecedora del «premio especial a la mejor música original» en el VI Concurso SGAE de Autores Multimedia, por la combinación estética de los dibujos y animaciones con la música original.

Su primer elepé, Maga (Limbo Starr, 2002) «el blanco», coproducido también por el grupo junto Paco Loco, en ODDS (Puerto de Santa María, Cádiz) durante enero y febrero de 2002, con la colaboración de Fabián Romero en las mezclas, y masterizado en Peerless Mastering (Boston) por Jeff Lipton, responsable de trabajos para Tom Waits, Sebadoh y The Magnetic Fields (Stephin Merritt) entre otros, nos sugiere una forma muy concreta de escucharlo, tumbados en la cama, fumando un cigarrillo, mientras pensamos en nuestros problemas o en ese/a chico/a que nos presentaron ayer mismo y que nos resultó tan interesante. Maga es un sencillo prodigio melódico, lleno de transmutaciones con los que podemos pensar, bailar y reconocernos como criaturas sensibles a la melancolía, la angustia y todas esos estados del alma.

Desde que el disco se abre con: «con viento del Este hiciste una cama, soplaste sobre ella para templarla» («diecinueve»), queda patente que las letras juegan un papel fundamental en Maga. Sus canciones no cuentan historias, al menos en el sentido narrativo convencional, siendo más bien proyecciones de imágenes, fruto de vivencias personales, reales o imaginarias. Una acumulación de sentimientos contradictorios compilados en una especie de caos ordenado. Porque la música de Maga tiene poesía, y las letras son la vía para transmitirla.

Once canciones lo componen (todos los álbumes del grupo tienen el mismo número de canciones, ¿pura casualidad?), más dos interludios instrumentales «escondidos», nombrados como dos de los ministerios de la novela 1984, de George Orwell. Un abanico sónico que encierra la pulsación del rock, gracias a la solvencia del trío que es, donde las cuerdas y los teclados analógicos componen junto a los instrumentos eléctricos y acústicos, un ente orgánico, un nuevo espacio.

Mención aparte merece el diseño del disco, en el que continuando con la expresión minimalista, y utilizando la cama como elemento único polivalente donde se experimentan infinidad de emociones dispares (e incluso contradictorias, como la seguridad, el bienestar, la ternura, el amor, la pasión, la enfermedad, el frío, la congoja, la soledad…) cierra el círculo de maga, un disco tan sorprendente como especial.

Maga fueron elegidos ese año Nuevo Talento Fnac. El álbum fue señalado entre lo mejor del año por Muzikalia.com y Supernovapop.com (webs que lideran la información musical independiente en España) y eligieron la canción «diecinueve» como la mejor del año. El álbum fue también destacado en varias publicaciones nacionales como Mondosonoro, Bad Magazine, ABC de Sevilla, Enderrock y la web Notodo.com. Los lectores de la revista Rockdelux lo eligieron también como uno de sus favoritos. Fue el primer año que Maga tocó en el Festival Internacional de Benicassim e hicieron una extensa gira por toda la Península.

El segundo álbum de Maga fue editado el 18 de mayo de 2004, después de un largo proceso marcado por la experimentación, la búsqueda y el hermetismo. Producido por el grupo (esta vez junto a Jordi Gil), y grabado en el estudio Sputnik de Sevilla; las mezclas se llevaron a cabo en Sound Farm (Dos Hermanas). De nuevo de título homónimo al grupo, Maga, «el disco negro», siendo el primer single extraído «Un lugar encendido». Electricidad, electrónica, poesía y pop de altos vuelos, de nuevo los referentes que les han llevado, paulatinamente, a ser uno de los nombres importantes de la escena, y más importante aún, conseguir, con sólo dos álbumes y un epé, crear un universo sonoro tan propio que con sólo escuchar unas notas de cualquiera de estas nuevas canciones la mente viaja a su particular mundo.

Por tercera vez consecutiva otra de las fortalezas se encuentra en sus arriesgadas letras no argumentales que invitan a observar los versos como fotogramas, como secuencias sin guión. Poesía embebida que, como si se tratase de su custodiado manual de estilo aplicado a medias (Miguel Rivera y Javier Vega), constituye y reafirma la personalidad onírica del grupo. Un original paisaje de colinas sembradas de alfileres invita a compartir la melancolía del ser que llora lágrimas de sangre.

Maga tocaron por segunda vez en el Festival Internacional de Benicassim. Previamente viajaron a Bruselas a tocar en la fiesta de presentación que el FIB organizo en Le Botanique.

A finales de ese año se editó un nuevo epé, Blanco sobre blanco, el cuál incluía (además de las 5 canciones) los vídeoclips de la canción titular y de «Un lugar encendido», así como la grabación en el estudio de la canción «Paracaídas».

El grupo marchó a Argentina a presentar sus canciones, donde fueron acogidas con especial entusiasmo.

Los lectores de los portales musicales Muzikalia y Supernovapop incluyeron a Maga entre lo mejor de ese año, por su segundo disco, canciones y directo.

El año 2005 les llevó de nuevo de gira, tanto eléctrica como acústica. Quedaron registrados para su posterior edición en DVD sus conciertos de la Sala Bikini y de La Paloma. Con cada gira y cada nueva entrega se demuestra que Maga tienen una legión de fans muy sólida. Se hacen llamar «los celestes».

El nuevo álbum, Maga (Limbo Starr, 2006), empezó a fraguarse a finales del 2005.El disco rojo de Maga, bebe de los anteriores en cuerpo y alma, pero se envuelve en un sonido más directo y compacto que su predecesor. Supone una vuelta a formas más inmediatas, y condensa los elementos que les han supuesto granjearse un sonido propio, imitado pero inimitable: la pegada de un trío solvente, el uso de las melodías y la poesía de una forma muy personal, la modulación de la voz, la aparición de colores como teclados o la electrónica en las bases (menos presente en este disco), y el cuidado uso de todo lo relacionado con la imagen del grupo. El disco se ha grabado de nuevo en Sputnik (Sevilla), la factoría de Jordi Gil (Solina, Sr. Chinarro) y seguramente el foco de creación más importante de la renovada escena sevillana. De hecho a Maga se le responsabiliza del surgir de nuevas bandas en la capital andaluza (Neorama, Solina, Estrellas Pintadas de Azul…), papel que se resisten a asumir pero que cada vez es más evidente. El disco lo componen once canciones, y en él han colaborado Germán Coppini (ex-Golpes Bajos), Andrea Echeverri (Aterciopelados), y Florent (Los Planetas) con su guitarra inconfundible en el primer single extraído: «Pas— el cometa».

Maga es, sin lugar a dudas, uno de los grupos más influyentes nacidos de poco tiempo a esta parte. Su música expone su particular forma de ver el mundo, como la varita mágica que hace posible el deseo de convertir lo agrio en dulce y viceversa; lo doloroso en placentero; lo odioso en adorable; lo blanco y negro en color. Para Maga la música es magia y eso es lo que hacen.

Miguel Rivera (1974), voz, guitarra, teclados y programación, vive desde muy pequeño por y para la música. La magia le perseguía y se dejó atrapar. Formó su primer grupo a los trece años. Desde entonces y hasta hoy han sido muchas las formaciones, canciones, colaboraciones, conciertos y grabaciones. Lo más importante, un ep «Seaworld» (1994) y un Lp «Chemins de fer» (1995), además de la participación en los recopilatorios «El colectivo karma» y el homenaje a Joy División «Warsaw» con Long Spiral Dreamin’, uno de los grupos destacados de la escena independiente española de principios de los ´90. Igualmente con Supertube un ep «Supertube» (1996) y un Lp «Siòg» (1998), además de la participación en el recopilatorio «Punkadelia» y Benicassim 98. como teclista ha participado en los discos «Extra» de Australian blonde, «Momento» de Steve Wynn con Australian Blonde y «Amplifier» de Jet Lag. también ha participado como co-compositor de las B.S.O. de las películas de Santi Amodeo «El factor pilgrim» y «El traje» así como de varios cortometrajes.

David García (1971), batería, descubrió a los trece años que no con una varita sino con dos se podía hacer magia si con ellas golpeaba cualquier superficie que emitiera sonido. Desde entonces, además de estudiar percusión en el conservatorio, ha formado parte de diversos grupos como Flung, Doce y los anteriormente citados Supertube. En 1994 compuso y grabó la música para el corto «Cinco sentidos».

Javier Vega (1975), bajo, comenzó sus estudios de clarinete en el conservatorio a la tierna edad de 8 años. Algunos años más tarde abandona el instrumento de Woody Allen por su bien amado contrabajo y su hermano rockero. Entre sus formaciones destacan Pinball y Supertube. También ha participado como co-compositor de las B.S.O. de las películas de Santi Amodeo «El factor pilgrim», «El traje» y de varios cortos. En la actualidad forma parte del grupo de acompañamiento de Antonio Luque (Sr. Chinarro).


· Maga - Un lugar encendido ·

sábado, 17 de enero de 2009

Xabel Vegas y las Uvas de la Ira


2008 comienza con el debut oficial de Xabel Vegas y su joven banda de acompañamiento, que en ‘El Oxido’ está formada por Jon Álvarez, Eras Sánchez, Eva Díaz y Alfredo González.

“Me apetecía estar con gente joven, y no lo digo por la edad, sino que hablo de gente virgen que no haya grabado un disco ni haya hecho una gira; gente con ilusión y afín a mi”.

Las críticas a sus primeras canciones han resaltado sobre todo dos puntos: una educación similar a la de su hermano Nacho y una solidez y calidad sobresaliente en las composiciones. En cuanto a las similitudes, aparte de los genes y el parecido en las cuerdas vocales el mismo Xabel se distancia desde la misma base: no se trata de un cantautor: “Soy muy cobarde y me gusto muy poco como para cantar sólo con la guitarra acústica; quiero hacer rock”, así que no podía ser de otra manera, estamos ante un grupo de rock que suena contundente, eléctrico, que busca un lenguage propio y que trabaja la canción desde los textos hasta el impacto sónico (desde luego no con la misma perspectiva de ruptura que Manta Ray).

En cuanto a las letras, Xabel ya ha avisado con anterioridad de sus intenciones (“Lo que más me interesa es indagar en las partes más oscuras del ser humano”) y destaca, sobre todo, la intención de no buscar referentes anglosajones en unos textos con personalidad.

Él mismo da su opinión sobre el contenido del disco:


“El paso del tiempo transforma aquello que creemos inmutable. El viento, el agua y la humedad convierten el acero en óxido. Y el óxido nos recuerda que el metal esta vivo. Cambia su textura, su color e incluso su estructura. Lo corroe como se corroen también los cuerpos jóvenes con el paso de los años. Nos recuerda que estamos vivos y también que algún día estaremos demasiado oxidados como para seguir viviendo.


Estas canciones hablan de historias que se han oxidado en la memoria. Historias que han sucedido en una tierra que fue de acero y que el tiempo, el viento, la lluvia y la humedad la han corroído dejando un rastro de óxido por el que transitan personajes adorables y monstruosos.
Al final todo, absolutamente todo, se convierte en óxido.”

· Xabel Vegas y Las Uvas de la Ira - Exilio Pais Natal ·


jueves, 15 de enero de 2009

Sufjan Stevens


Sufjan Stevens (Detroit, 1975) es, sin lugar a dudas, el artista más reconocido de la corriente neo-folk de los Estados Unidos.

Con la ayuda de sus composiciones fantasiosas, el músico se ha propuesto crear un álbum para cada estado de su país: el llamado «The Fifty States Project». Por el momento lleva dos: Michigan e Illinois -este último ha sido todo un éxito-. Sin embargo, no hay que olvidar que Stevens también ha publicado otros cinco álbumes, fuera de este proyecto.

Sufjan se ha caracterizado por la cantidad de caras b y temas navideños que ha lanzado, como el pack «Songs for Christmas» (2006). Es de sobras conocido que profesa la religión católica -cristiana-, y eso se nota en sus letras, sobre todo en las del disco Seven Swans (2004).

· Sufjan Stevens - The Great God Bird ·


viernes, 9 de enero de 2009

El Hombre Burbuja


El hombre burbuja fue un grupo jerezano formado en 1996 por Julio de la Rosa (voz,guitarras),Antonio G. (bateria,percusiones y teclados) y Eduardo Ubreva (bajo),que con esta formacion publicarian en 1999 su disco homonimo de debut con el sello Recordings from the other side (Everlasting Records),compañia con la que estarian toda su carrera.El disco seria producido por Huw D. Price.

En el año 2000 publicaban un Ep autoproducido llamado «El te de los locos»,que incluia dos temas de su anterior disco «Polen» y «El te de los locos»,ademas de dos temas ineditos y una version del «Frente a frente» de la cantante Jeanette.Fue ese mismo año el de la publicacion de su segundo largo «Nadando a crol»,previo abandono de Eduardo Ubreva que fue sustituido por Mariano H. al bajo y aprovechando para recomponer la banda en cuarteto,incluyendo a Sergio M.C. (teclados y programacion).El disco fue producido por Kaki Arkarazo y la propia banda.

Su ultimo disco data del 2002,»La paz esta en las matematicas» fue grabado en su Jerez natal y producido por el propio Julio de la Rosa.Ese mismo año en una actuacion del grupo en el festival de Benicassim Julio proclamaba «El hombre burbuja a muerto,viva El hombre burbuja» y asi se daba por finalizada la carrera de este poco reconocido grupo andaluz.

Posteriormente en el 2006 se publicaria un doble Lp de grandes exitos de la banda llamado «Tu ves ovnis 1996 - 2002» con sus exitos,canciones ineditas y temas regrabados.

· El Hombre Burbuja - Sólo Una Parte ·

Charlotte Martin


La cantautora Charlotte Martin creció en Charleston, Illinois. Ganó el titulo de Señorita Illinois USA 1994 en un concurso de belleza para adolescentes el 26 de Junio. Se graduó de la Universidad de Eastern Illinois University (EIU) en 1998 con un titulo por su interpretación vocal con especialidad en opera. En 1999, Charlotte se mudó a Los Angeles. El 30 de Septiembre del 2005, se casó con el músico/productor Ken Andrews. Su primer hijo, Ronan Joseph Andrews, nació el 4 de Mayo del 2008.

Su padre, Joseph Martin, es profesor de musica en la Universidad EIU. Su madre, Becky Martin, es la administradora de un programa de desarrollo para adultos discapacitados.


· Charlotte Martin - Constant Craving (Philadelphia 10/6/07) ·


Led Zeppelin


Led Zeppelin fue una banda de rock fundada en 1968 por el guitarrista Jimmy Page. Con la inclusión en el grupo de John Paul Jones como bajo -al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds-, la adhesión del vocalista Robert Plant y de John Bonham a la batería -que coincidió con Plant en The Band of Joy-, quedó formado el que sería uno de los más influyentes grupos de la historia del rock, fundadores de lo que hoy llamamos heavy metal. Además incluyó elementos de un amplio espectro de influencias, como blues, Rock And Roll Clasico, Soul, celta, música india, árabe, folk, country.

Más de 25 años después tras la disgregación de la banda, en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock moderna. Hasta la fecha, la banda ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones de ventas sólo en Estados Unidos.

Robert Plant:

Nació el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich, Staffordshire, Inglaterra. Se interesó por el canto y desde los 13 años se unía a diversos grupos. Tenía un especial interés por la música blues. Incluso existe la leyenda, de que se inspiró en cantar después de escuchar la versión de Bobby Parker de Blues Get Off My Shoulder. A los 16 años, dejó su casa y cantó para grupos como The Crawling, Robert Plant Kingsnake Blues Band, Black Snake Moan y The Delta Blues Band. La primera tenía a John Bonham como baterista.

En 1966 formó un grupo llamado Listen, que obtuvo un contrato con la CBS de 3 singles, ninguno tuvo gran éxito. Su siguiente proyecto fue The Band Of Joy, donde también tocaba Bonham. El grupo tuvo éxito en clubs, pero sus constantes cambios y la incapacidad de obtener un contrato seguro, hicieron que la banda se separara a mediados de 1968.

Plant luego trabajó con el veterano del blues Alexis Korner. También participó en Hobbstweedle, con el primo de John, Bill Bonham. Jimmy Page lo conoce en un concierto realizado con esta banda y es entonces cuando se une a Led Zeppelin, en ese entonces aún conocido como The New Yardbirds. Es Plant quien recomienda a John Bonham como baterista. En el primer disco de Led Zeppelin, Plant no recibe ningún crédito como compositor pues su contrato con la CBS estaba vigente.

Robert Plant se casó con Maureen Wilson el 9 de noviembre de 1968, tras haberla conocido 2 años antes. Su primera hija con su esposa, Carmen Jane, nació el 21 de noviembre del mismo año del matrimonio. Su hijo Karac murió en julio de 1977, de una infección estomacal. Su último hijo, Logan Romero, nació el 21 de enero de 1979.

Es conocido el cambio de voz que sufrió Robert Plant en 1973, aunque nadie conoce la verdadera causa, hay muchas especulaciones: -Plant tenía una muy mala dentadura, al hacérsela corregir, su voz se puede haber modificado. -El consumo de cocaína puede generar cierta deformación en la vías respiratorias, la corrección de este mal produce una voz más nasal. -Plant acostumbraba forzar su voz mucho y muy seguido, llegando a lastimar sus cuerdas vocales.

El símbolo de Plant en el cuarto álbum de Led Zeppelin, es una pluma encerrada en un círculo. Plant dijo que el símbolo provenía de la antigua civilización Mu.

El 4 de agosto de 1975, en la isla griega de Rodas, Plant tuvo un accidente automovilístico viajando con su esposa. Esta pasó varias semanas en el hospital. Plant se rompió el tobillo y el codo y no se recuperó completamente hasta pasados 2 años. La grabación del disco Presence, se realizó con Plant en una silla de ruedas y la larga ausencia del grupo en el escenario causó rumores de una separación.

En la mitad del tour por Estados Unidos, en 1977, Plant se enteró de la trágica muerte de su hijo. Voló desde Nueva Orleans hasta su hogar, en Inglaterra, y entró en un estado de semi-retiro. En 1979, tras más rumores de la desintegración del grupo, volvieron finalmente al escenario.

Después de le verdadera desintegración de Led Zeppelin, a causa de la muerte de John Bonham en 1980, Robert Plant realizó varios proyectos. En 1981 se unió a un grupo de R&B conocido como Honeydrippers, con su amigo Robbie Blunt. La banda tuvo a artistas invitados como Phil Collins en la batería.

Entonces Plant decidió grabar su primer álbum solista, Pictures At Eleven. Este salió en junio de 1982 y tuvo bastante éxito. A fines de ese mismo año, Plant se separó de su esposa Maureen y más tarde se divorciaron.

A comienzos de 1983, Plant graba su segundo disco como solista, The Principle of Moments. Phil Collins lo acompaña de nuevo en la batería.

En 1984, Plant grabó un disco de 5 canciones llamado Volume One, con Jimmy Page, Jeff Beck y Nile Rodgers. El nombre de Honeydrippers se mantuvo. La serie se estancó en este primer disco, nunca se grabó un segundo.

En 1985, Plant experimentó en el sentido musical en su disco Shaken ‘n’ Stirred. Este no tuvo mucho éxito. Después de un tour a fines de ese año, la banda se separó, por un desacuerdo entre Plant y Blunt acerca de la dirección que su música estaba tomando.

Entre 1986 y 1987, Plant se dedicó a formar una nueva banda. Tenía a Doug Boyle en la guitarra, Chris Blackwell en la batería, Phil Johnstone en los teclados y como mayor compositor, y a Charlie Jones en el bajo. Charlie Jones se casó con su hija, Carmen. El primer disco de la banda salió en febrero de 1988 y se llamó Now and Zen. Contó con la participación de Jimmy Page en 2 temas.

En marzo de 1990 salió Manic Nirvana, segundo disco de la banda. En 1992, Plant cantó en el concierto de tributo a Freddie Mercury.

El disco Fate of Nations salió en junio de 1993, tras 2 años de esporádicas grabaciones. Este disco presenta diversas influencias, ritmos, y un gran rango de artistas invitados. Las canciones 29 Palms y If I Were a Carpenter, alcanzaron éxito.

En los últimos años Plant siguió con su carrera de solista, reuniéndose en ciertas ocasiones especiales con Page, y hasta con Jones. Una de las más memorables fue en 1988, cuando tocaron en la fiesta de 40 aniversario de Atlantic Records, con Jason, el hijo de John Bonham, en la batería.

Las últimas bandas en las que participó son The Priory Of Brion y Strange Sentation. En noviembre del 2003, se lanzó Sixty Six To Timbuktu, que recogía en 2 discos la carrera como solista de Robert Plant

Jimmy Page:

James Patrick Page nació el 9 de enero de 1944 en Heston, en el condado de Middlesex, Inglaterra. Hijo de un administrativo, James Page y de una secretaria, Patricia Elizabeth Gaffikin su pasión por el rock se inició cuando escuchó la canción Let’s Play House de Elvis Presley. En 1956 apareció por primera vez en un programa televisado de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, dónde interpretó Mama Don’t Wanna Play No Skiffle No More. En enero de 1963 realiza su primera grabación de estudio con el sigle Diamonds del duo Jet & Tony.

A partir de entonces, Jimmy se convierte en músico de estudio colaborando con artistas como Mickie Most, Who, Rolling Stones, Davy Jones, Joe Cocker, etc.

The Yarbirds
En 1966 Page entro a formar parte de The Yardbirds por dónde habían pasado grandes guitarristas de la talla de Eric Clapton y Jeff Beck con quien trabajó durante algunas semanas. No nos podemos olvidar del hecho de que Peter Grant era por aquel entonces manager de los Yardbirds. En julio de 1968 el grupo se disgrega, teniendo pendientes una serie de actuaciones en la península escandinava, hecho que motivó la búsqueda de nuevos músicos por parte de Page. En septiembre de ese mismo año Jimmy Page conoce a Robert Plant que era cantante por entonces de los Hobbstweedle. Juntos deciden formar New Yardbirds con dos amigos; John Paul Jones, un experimentado músico de sesión y arreglista y John Bonham, gracias a instancias de Plant.

[editar] Led Zeppelin
El nombre de Led Zeppelin lo plagió Page de un chiste de Keith Moon, (extravagante batería de los Who)con el que había coincidido en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck. La actividad dentro del cuarteto fue frenética desde el principio. En seguida se hicieron de notar sus labores como productor, compositor y músico de estudio en todos los trabajos de Zeppelin, siendo muchas veces el artífice de temas que se han convertido con el tiempo en clásicos de la música rock, además de ser considerado como uno de los músicos más inspirados y capacitados para la improvisación en directo, al igual que sus compañeros de banda. Una de sus características como guitarrista es el uso de un arco de violín durante algunos temas, así como del sintetizador denominado como theremin. También es conocido entre otras cosas por ser el que popularizó la guitarra Gibson ES-1275 Doubleneck (de doble mástil) , lo que le convirtió en un hito de los años setenta. Durante la gira americana de 1977 Page solía dar recitales de efectistas y extravagantes solos de guitarra de hasta 20 minutos.

Su pasión por el ocultismo se puso de manifiesto durante la gira de Led Zeppelin en el año 1973, con la parafernalia que le acompañaba, sus trajes y amuletos con signos ocultistas y su consabida admiración por Aleister Crowley, (Con el tiempo Page llegó al extremo de comprar la mansión donde había vivido Crowley en Escocia)

Durante los últimos años de Led Zeppelin (finales de los 70), la actividad de Page dentro de la banda disminuyó a causa de los problemas que le reportaba su addición a sustancias como la heroína. Esto, más el cada vez más alarmante alcoholismo de John Bonham, provocó la imposición de los dos miembros restantes de la banda, Robert Plant y John Paul Jones como principales compositores del que sería el último trabajo del grupo, In Through The Out Door.

Tras la muerte de John Bonham en casa de Page el 25 de septiembre de 1980, se hizo pública la separación de Led Zeppelin.
Después de Led Zeppelin
El periodo que comprende la disolución de Led Zeppelin hasta nuestro días ha sido para Page bastante intenso. Además de ocuparse de la remasterización de todo el catálogo de Led Zeppelin en formato CD, ha compuesto la banda sonora de Death Wish 2 (Charles Bronson); ha tocado junto a muchos solistas y bandas, como Jeff Beck, Yes… o incluso ¡Harry Connick Jr! También participó en el album de Box of Frogs, un disco reunión de antiguos miembros de The Yarbirds. Formó una banda llamada The Firm, con la cual sólo publicó dos discos, llamados The Firm y Mean Business junto a los nombres de Paul Rodgers, Tony Franklin y Chris Slade. También participó en los festivales ARMS, junto a estrellas como Steve Winwood, Bill Wyman, Charlie Watts, Kenny Jones o Simon Phillips.

Lo más destacable de su trabajo en solitario quizás sea su trabajo publicado en 1988, Outrider, con Jason, el hijo de John Bonham a la batería y Robert Plant, voz invitada en la canción The Only One.

En los noventa la actividad de Page se tradujo en el disco que realizó junyo con David Coverdale, ex vocalista de Deep Purple y Whitesnake. Tras esto, se sucedieron dos colaboraciones con Robert Plant, la primera se titulaba No Quarter y consistía en una gira en la cual se presentaban nuevos arreglos de temas de Led Zeppelin (como Kashmir) con nuevos aires orientales. La segunda colaboración consistió en un álbum llamado Walking Into Clarksdale (1998), con su consiguiente gira de presentación. En 1998 también lanzó el disco «The Masters: No Introduction Required» junto a John Paul Jones, viejo amigo de Led Zeppelin.

En cuanto a su vida personal se conoce poco. Tiene una hija llamada Scarlett, fruto de una relación en los setenta, y un hijo, James, nacido de su matrimonio que duró hasta 1995. Poco después se casó con la joven Jimena Gómez Paratcha, de origen argentino-brasileño, con quien también ha tenido descendencia. Gracias a su relación con Jimena, durante los últimos años, Jimmy Page se ha volcado a las acciones benéficas, sobre todo en Brasil, donde auspicia la fundación Casa Jimmy, para niños sin hogar, y la Action For Brazil’s Chidren (ABC) Trust, por las que ha sido recientemente coronado como Caballero de la Orden Británica.

John Paul Jones:

John Paul Jones es un músico británico nacido con el nombre de John Baldwin el 3 de enero de 1946 en Sidcup, Inglaterra, conocido principalmente por haber sido integrante del grupo Led Zeppelin. En 1960 con 14 años formó parte de un grupo de danza de su padre y un año más tarde crea su propia banda y en los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, the Mindbenders, the Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros. En su época como integrante de Led Zeppelin (1968-1980) tocaba el bajo y frecuentemente el teclado y se encargaba de los arreglos de las canciones junto con Jimmy Page. Cuando en 1980 finalizó Led Zeppelin con la muerte del baterísta John Bonham, Jones comenzó en solitario su carrera con las bandas sonoras «Scream for Help» y «The Secret Adventures of Tom Thumb» y grabó su primer trabajo en solitario titulado «Zooma» al que siguió «The Thunderthief» en 2001. Está considerado como el miembro de Led Zeppelin más inteligente y versátil, gracias a su sapiencia musical y su habilidad con la guitarra, la mandolina, el banjo, e incluso la flauta dulce, además del bajo y el teclado. El más arraigado a la familia y dotado de un sentido del humor típicamente británico, aparte de ser el más alejado de las aficiones ocultistas de Page .De reconocido prestigio, grupos como REM le suplicaron con éxito que les produjese uno de sus últimos trabajos, pero Page y Plant perdieron contacto con él en los 90, ignorándolo cuando grabaron para la MTV un clásico desenchufado. Más recientemente han retomado el contacto, pero sus malas relaciones han descartado la vuelta del supergrupo de los 70

John (Bonzo) Bonham:

Bonham nació en Redditch, Worcestershire, Inglaterra. Empezó a tocar batería a los 5 años, pero tuvo su primer equipamiento rítmico a la a edad de 14 años. Éste fue un kit Premier del cual no se tienen mayores detalles.

En 1964, Bonham formó su primera banda, Terry Webb and the Spiders. También tocó para bandas locales, como The Blue Star Trio and The Senators. Fue en esta época que Bonham decide dedicarse a la música como profesión. Se une a varias bandas poco exitosas, incluyendo la banda de Blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era Robert Plant. Durante ese periodo, Bonham se gana la reputación de ser el baterista más ruidoso de toda Inglaterra. En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño quien incluso le dijo que no habría futuro para un baterista como él. 10 años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía «Thanks for the career advice…», siendo acompañada por un disco de oro de Led Zeppelin. Siguió siendo parte, junto a Robert Plant, de bandas poco exitosas hasta que Tim Rose lo invita formalmente a ser el baterista de gira de su banda.


Led Zeppelin
Cuando Jimmy Page quisó formar una nueva banda tras el quiebre de The Yardbirds, su primera opción como cantante fue Terry Reid, sin embargo Reid estaba trabajando con Mickie Most. Reid sugirió a Robert Plant, quien sugirió a Bonham, y a John Paul Jones. Después de ver a Bonham tocar para Tim Rose en Hampstead, Londres, en Julio de 1968, Page y Peter Grant (Manager) estaban convencidos de que Bonham era el indicado.

Durante la primera gira de Led Zeppelin en E.E.U.U. (Diciembre de 1968), Bonham se hizo amigo de Carmine Appice, baterista de Vanilla Fudge, quien le dio a conocer las baterías Ludwig, marca que usó, y con la que firmó un contrato de representación, por el resto de su carrera. Bonham usaba también las baquetas más largas y pesadas del mercado, a las cuales él se referiía como «árboles».

Su revolucionario estilo está presente en todas las composiciones de Led Zeppelin, pero fueron temas como «Immigrant Song» (Led Zeppelin III), «When the Levee Breaks» (Untitled fourth album), «The Ocean» (Houses of the Holy), and «Achilles Last Stand» (Presence) los que marcaron el estilo de la banda. El grupo lo reconoce como el creador de la figura rítmica del riff de «Kashmir» y del riff de «Out On the Tiles». La grabación en estudio de «Misty Mountain Hop» captura perfectamente su excelente dominio sobre las dinámicas.

Su trabajo tras «los parches» ha influenciado a casi todo baterista de hard rock/heavy metal. El estilo de Bonham estaba marcado por un «beat» muy rítmico acompañado con mucho «feel», «fills» explosivos y un uso único de figuras rítmicas invertidas, muy seguido ejecutadas entre el bombo y el tambor. Todo esto, combinado con su ataque escarpado, hizo a Bonham inmediatamente reconocible para el auditor.

Sus «solos» de batería, primero «Pat’s Delight» luego llamado «Moby Dick» y «Over the Top», duraban cerca de media hora y muy seguido tocaba sin baquetas para lograr nuevos efectos sonoros. En los tours de Led Zeppelin que vinieron después de 1969 expandió su kit, incluyendo congas, timbales sinfónicos y gongs sinfónicos. A Bonham también se le da el crédito de usar los primeros timbales sintetizados electrónicamente, los cuales tocó durante la presentación de la canción «Kashmir» en Dallas, Texas, 1977.

En 1974, Bonham apareció en el film Son of Dracula, tocando la batería en la Count Downe’s (Harry Nilsson) backing band. Éste fue un film hecho por Ringo Starr. Bonham formó parte de una multitudinaria banda de percusión, la cual incluía a Keith Moon y a Starr. Bonham también era coleccionista de automóviles deportivos antiguos y motocicletas, los cuales tenía en la granja de su familia llamada The Old Hyde.

Pero Bonzo no solo grabó con Led Zeppelin. Bonham también encontró tiempo para hacer algo de trabajo de sesión para otros artistas. En 1970, Bonham tocó para Lord Sutch en su album Lord Sutch and Heavy Friends. También grabó para su amigo Roy Wood, en el album Wizzard (1979). Luego vuelve a los escenarios, pero esta vez junto a la banda de Paul McCartney: Paul McCartney’s Wings on their Back to the Egg Rockestra Project.


· Led Zeppelin - Stairway To Heaven ·


Adele

Adele Laurie Blue Adkins (Londres, 5 de mayo 1988) es una cantante inglesa de soul/jazz.

Adele se graduó en mayo del 2006 de la academia patrocinada por los Brit awards y en Julio de ese mismo año publicó dos canciones.

El éxito de Adele Adkins (su nombre artístico es Adele a secas) fue cantado a los cuatro vientos bastante antes de la aparición de su primer álbum, 19, que se ha visto aupado al número uno de ventas en el Reino Unido. Frente a toda suspicacia, valga confirmar que la joven cantautora londinense (el título del disco alude a su edad) no es un bombón con aspiraciones artísticas fabricado por la mercadotecnia de una gran multinacional discográfica. Dotada de una personalidad tan contundente como su voluminoso físico, Adele ha merecido el interés de la industria gracias a su sensual y portentosa voz, rebosante de matices.

Sus cuerdas vocales son capaces de expresar todo el poderío del soul, se atreven con algunas incursiones jazzísticas y demuestran una emoción y aplomo que le han valido reiteradas comparaciones con ese fenómeno que encarna Amy Winehouse. Los más aventurados, citan nada menos que los nombres de Etta James o Ela Fitzgerald como referente, una licencia exagerada cuando la propia aludida admite que está todavía por cocer.

Adele comenzó el que va a ser su gran año con uno de los premios de la crítica británica a sus espaldas, y el vaticinio de la BBC de que su estrella será la que más brillará en 2008. Este último baremo se ha revelado certero en sus anteriores ediciones, apuntando a los entonces incipientes Kaiser Chiefs, Keane o los Klaxons. Todo ese revuelo se vio avalado con la salida a la venta de su primer single, Chasing Pavements, que la consagró como firme promesa y que ha estado en el segundo puesto de los superventas.

El siguiente trabajo, 19, avala ese veredicto, aunque también ha puesto las cosas en su sitito: el grueso de la crítica apunta a que los temas de la cantautora no parecen destinados a perdurar. Son baladas melancólicas sobre el amor y su corazón roto a manos de un incomprensivo noviete bisexual, pero los interpreta con tal arrojo y autoridad que nadie cuestiona su enorme madera de artista y talento innato.

El estreno de Adele es el primer fruto de su colaboración con el sello XL. La discográfica había tanteado a la cantante cuando todavía estudiaba en la Brit School of Performing Arts de Croydon, que tiene entre sus famosos ex condiscípulos a la propia Winehouse y a Kate Nash.

«Mi escuela secundaria era bastante dura y tenía como principal ambición que las alumnas no nos quedáramos embarazadas. No estimulaban precisamente, por eso me enrolé en Croydon», explica Adele con candidez. Sólo había pulido tres canciones (Daydream, My Same y Hometown Glory) cuando firmó con su actual compañía, pero ya entonces contaba con multitud de adeptos en el universo cibernético de MySpace, donde colgó sus primeros temas.

Al cabo de un año, Adele era invitada a compartir escenario con sus admirados Björk y Paul McCartney en el programa televisivo de Jools Holland, un popular show del viernes por la noche que seguía en su adolescencia con el preceptivo permiso de su madre. Ambas siguen viviendo en su domicilio familiar del sur de Londres, circunstancia que Adele subraya como signo de normalidad aunque los hechos le contradigan. Se sabe que el manager de las Spice Girls -sus ídolos de infancia- intenta cortejar a la artista, quien se ha visto obligada además a contratar con urgencia a un publicista en Nueva York después de que el propio Kanye West proclamara sus virtudes al otro lado del Atlántico.

Propietaria de unos intensos ojos verdes y decididamente despreocupada ante los comentarios sobre su peso («no necesito lucir una talla cero para estar guapa»), Adele asegura estar preparada para no caer en la trampa de la fama. Tampoco atiende a la decepción de muchos de sus admiradores cuando insisten en que su alma no pertenece al soul -para el que parece haber nacido-, sino al pop. A saber, la voz que podría alardear de los gustos más sofisticados asegura que sus dos grupos favoritos son las chicas picantes y las Destiny’s Child.


· Adele - Daydreamer ·



Tom Waits

Thomas Alan Waits (nacido en Pomona (California) el 7 de diciembre de 1949) es un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero inspiradas en escritores de la generación Beat, en especial Jack Kerouac y Charles Bukowski

En 1967 comenzó a trabajar en los cabarés de Los Ángeles, ambiente que le influyó mucho para las canciones de su primer disco, Closing Time (1973), aunque este álbum se vio eclipsado por The Eagles y Tim Buckley, pero fue con el álbum Heart of Saturday Night (1974) el que dio a conocer su personal estilo. Más tarde en 1975 con el disco en directo Nighthawks at the Diner combina canciones muy personales (entre ellas Better off without a wife) con entretenidos monólogos introductorios.

Tras Small Change (1976), sus siguientes discos no consiguieron situarse en las listas de éxitos. En esos años interpretó pequeños papeles en películas como La cocina del infierno (1978, de Sylvester Stallone) o Corazonada (1981, de Francis Ford Coppola), para la que también compuso la música.

Volvió a las listas de ventas en la década de 1980 con Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank’s Wild Years (1987), discos en los que confluyeron una gran variedad de estilos desde el blues hasta el tango, que dieron a sus canciones una atmósfera especial que le aseguró el éxito de ventas y la aceptación del gran público. También participó en películas como Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch) y Vidas cruzadas (1993, de Robert Altman) con papeles de más importancia que en sus anteriores incursiones en el cine. Asimismo, compuso la música de la película Noche en la Tierra (1991, de Jim Jarmusch). Tras grabar Bone Machine (1992). Un año más tarde colaboró con William S. Burroughs en la ópera cómica de carácter siniestro The Black Rider. El 2002 fue un año especialmente prolífico con la publicación de dos discos: Alice y Blood Money.

Más recientemente, en octubre de 2004, publicaría Real Gone uno de los discos más representativos hasta la fecha de esa particular mezcolanza caracaterística de Tom Waits. Y el último trabajo de Waits, un triple álbum, se publica en 2006 con el nombre de Orphans.


· Tom Waits - Downtown Train ·


My Brightest Diamond


Hija de un campeón de acordeón y de una organista de iglesia, Shara Worden creció rodeada de música y pronto descubrió que su increíble voz era un diamante en bruto. Estudió ópera, se fue a Nueva York, compaginó el estudio de Debussy con los conciertos de Antony and the Johnsons y Rebecca Moore, y definió una personalidad musical compleja a medio camino entre Puccini y PJ Harvey.

En el 2004, comenzó a trabajar en dos discos: uno con canciones grabadas con un cuarteto de cuerda
A Thousand Shark’s Teeth , y un segundo más convencional con un grupo formado por Earl Harvin a la batería, Chris Bruce al bajo, y en un tema, su padre Keith al acordeón titulado Bring Me The Workhorse lanzado con el favor dela crítica en agosto del 2006 en el sello Asthmatic Kitty.

Sufjan Stevens descubrió su brillo y la enroló como parte de los ‘illinoisemakers’, llevándosela como telonera de su gira americana por teatros. Shara aprovechó la oportunidad y deslumbró al mundo con su fulgor sobre el escenario. Teatral e imaginativa, violenta y delicada, Shara Worden es, actualmente, el diamante más brillante del folk expresionista allá donde se corta con el de las torch-songs.


En Marzo del 2006 ve la luz ,
Tear It Down , una colección de remezclas de temas de su anterior álbum y colaboraciones con 13 artistas que incluyen Alias, Lusine, Murcof, Stakka y Gold Chains entre otros con estilos orientados hacia la electronica, el drum-n-bass y la más pura música de baile.

A Thousand Shark’s Teeth es lanzado finalmente en Junio del 2008 influenciado por artistas como Tricky o el compositor francés Maurice Ravel.

· My Brightest Diamond - Inside a Boy ·

Alina Orlova


Alina Orlova (Alina Orlovskaya es su verdadero nombre, nacido el 28 de junio de 1988) es una compositora, poeta y cantante lituana.

Orlova compone sus propias canciones y realiza versiones de otros músicos. Las realiza generalmente en tres idiomas: lituano, ruso e inglés.

En 2008 saca su álbum debut "Laukinis suo dingo". Orlova recibe un reconocimiento positivo tanto en Lituania como en el resto del mundo, donde es visto como un gran éxito.


· Alina Orlova - Transatlantic Love ·


miércoles, 7 de enero de 2009

Efterklang


Efterklang (Reverberación/Recuerdo, traducido del danés) es un grupo post-rock formado en enero del 2001 en la capital danesa, Copenhague. El grupo está formado por cinco miembros principales (Mads Brauer, Casper Clausen, Thomas Husmer, Rune Mølgaard & Rasmus Stolberg). Cuando tocan en directo, la banda se complementa con Peter Broderick, violinista/cantante; Niklas Antonson, trombonista/cantante; Anna Brønsted, pianista/cantante y Frederik Teige, guitarrista/cantante. Melodías suaves e invernales de sonidos electrónicos, de cuerda y viento, mezclados con delicadeza, alzados por voces masculinas unísonas y decoradas por la voz cristalina de su pianista.

Han sacado sus discos bajo el sello británico/norteamericano The Leaf Label, pero también poseen su propio sello Rumraket (misil espacial en danés) bajo el cual se acogieron rapidamente grupos como amiina, Cacoy, Erik Levander, Grizzly Bear, Kama Aina, Slaraffenland, Taxi Taxi! y Canon Blue.

En su carrera musical Efterklang ha colaborado con algunos músicos invitados. El productor Karim Ghahwagi puede ser encontrado entre sus colaboradores, hizo algunas producciones visuales en los conciertos comprendidos desde el 2003 hasta 2005 y el vídeo para la canción Swarming. Otro importante colaborador es Nan Na Hvass, el cerebro aclamado por la crítica, creador de los trabajos artísticos para One-Sided LP, Under Giant Trees, Parades, y el videoclip Mirador (Octubre del 2007).


· Efterklang - Foetus ·


Fon Román


Fon Román era el sonido íntimo e inquieto de Los Piratas: tamizó de electrónica los discos y emocionó con acordes y melodías de guitarra, probablemente la mejor guitarra que haya sonado en el pop español. La “intimidad Pirata” acabó, y Fon inició un viaje personal. Como él dice, “después de una ruptura y sobre todo después de 13 años
de relación, lo mejor que uno puede hacer es no pararse a pensar mucho”.

Así, realizó con Suso Saiz experimentos de laboratorio bajo el nombre de “Trash of dreams”, y su edición en disco fue precedida de dos años de encierros sonoros y viajes físicos. Fon crecía por dentro desde fuera, y “Trash of dreams” sirvió para resolver sus dudas sobre las posibilidades del arte sin lenguaje predeterminado ni exigencias de mercado. Pero era sólo una parada
en el camino.

Silencio cómodo en un jardín descuidado”, su primer álbum (2006) era el destino final, quizás la cristalización definitiva de una vida como músico. Un trabajo que recupera el sentido unitario y conceptual para el indie.

· Fon Roman - Lento ·

martes, 6 de enero de 2009

Lucas 15


Lucas 15 era, hace ya tiempo, un proyecto que rondaba la cabeza de Xel Pereda y que hoy es por fin una realidad. La idea era hurgar en el cancionero tradicional asturiano -tan vasto y sin embargo tan ignorado por gran parte de la comunidad rock y pop en Asturias-, reinventarlo y actualizarlo, hacer con él un disco de rock, en definitiva.

Si el folk anglosajón es una de las principales influencias del rock y el pop desde sus inicios, ¿por qué no podía ser el folk asturiano un punto de partida excelente? Lo mismo que Nick Cave había hecho en su Murder Ballads, The Pogues en tantos momentos o Tom Waits en su reciente Orphans, echando mano de la tradición americana, irlandesa o celta, se podía hacer en Asturias con su propia tradición musical popular.

Nacho Vegas pensaba de la misma manera, y de hecho en sus discos había ido dejando algunas muestras de ello, pero le apetecía hacer una incursión más profunda en el cancionero asturiano, así que cuando Xel y él se encontraron algo se iluminó y empezaron a trabajar en esa dirección. Xel hizo una selección de más de sesenta temas de los que escogieron una docena que Nacho y él iban adaptando y llevando a su terreno, siempre respetando la esencia de música y letras. Fue sólo el primer paso.

Se formó una banda con músicos asturianos de primera fila que se emocionaron con el proyecto y enseguida se involucraron tanto en el plano estrictamente musical como en el emocional. Chus Naves al piano y órganos, Luis Rodríguez en el bajo, Manu Molina en la batería… Xel y Nacho cantan y se ocupan de las guitarras. El repertorio incluye romances tradicionales, añadas (canciones de cuna), villancicos o cantares de ciego, y cuando se reúne la banda al completo se produce una química especial que hace que las canciones cobren vida, propiciando un mosaico de sensaciones que pasan por la ternura (“Con tomillo y romero (añada)”, el amor fatal (“Romance de la polesina”) o incluso la violencia (“El Sacaúntos de Allariz”). En otoño de 2006 comienza la grabación que, comandada por Xel, se prolonga hasta el presente año y acaba dando lugar al álbum de debut de Lucas 15. Una grabación orgánica y urgente, con colaboraciones puntuales entre las que destacan el coro “Voces de Cimadevilla” interpretando unos particulares arreglos vocales.

Lucas 15 publicarán su álbum homónimo en enero de 2008, y desde febrero se les podrá ver en directo en lo que será una mini gira de presentación en recintos adecuados que permitan a su puesta de largo en directo tener toda la energía, y a la vez toda la fragilidad que destilan los temas en el disco. Lucas 15 son, sin duda, la verdadera trama asturiana.


· Lucas 15 - No hay tal andar ·


lunes, 5 de enero de 2009

Jens Lekman


Jens Lekman es un joven sueco nacido en la ciudad portuaria de Goteborg y bautizado como the swedish crooner por su voz y el estilo de su música, que si bien dentro del medio de los crooners se consideraría bastante alternativa, no por eso deja de apegarse a sus bases. Sus orígenes se dan dentro del pop underground y suele emparentársele con artistas como The Magnetic Fields, Future Bible Heroes, y Belle & Sebastian, por su música con una muy fuerte base acústica y sus creativas letras.

Jens Lekman comenzó su carrera grabando sus canciones de forma artesanal en CD-R desde 2000 hasta 2003. Debido a que una de sus primeras canciones se llamó "Rocky Dennis' farewell song to the blind girl", Lekman comenzó a ser llamado Rocky Dennis. La canción fue escrita desde el punto de vista de Rocky Dennis, el personaje principal de la película de 1985 Mask En el año 2003 editó de forma independiente un EP titulado Maple Leaves en forma de vinilo 7" el cual causó gran revuelo gracias principalmente a su infiltración en internet. Para cuando el mismo EP fue lanzado en CD por la disquera independiente sueca Service Records, Jens Lekman ya era un nombre conocido. Luego firmaría un contrato con Secretly Canadian Records para editar sus discos fuera de Suecia.

Su primer álbum When I said I wanted to be your dog fue lanzado en el año 2004 e incluyó algunos tracks de sus primeras grabaciones. Las canciones "Maple leaves" y "Black cab" son constantemente tocadas en las radios suecas. El disco llamó la atención de la escena alternativa tanto en Suecia como en el resto del mundo. La canción "You are the light" fue un hit instantáneo en las radios y comenzó a ser rotado en Nordic MTV y ZTV. En Suecia el álbum alcanzó el número 6 en los charts y fue nominado para tres Grammies suecos, tres P3 Guld y tres Manifest awards así como "Album del año" según Nöjesguiden.

En junio del 2005 lanzó una compilación de sus tres EP's y algunos tracks extras bajo el título "Oh you're so silent, Jens".

Su último álbum fue lanzado en septiembre de 2007 en Suecia y en octubre en el resto del mundo. El primer single del disco fue "Friday night at the drive-in bingo"

· Jens Lekman | Radio NRJ·


Damien Jurado

Damien Jurado es un músico muy respetado dentro del alt country americano, y uno de los más firmes herederos de la hetedoroxia de Bob Dylan.

Ha publicado este otoño un nuevo disco en Secretly Canadian, sello, por poner dos ejemplos, de
Antony & The Johnsons o Jens Lekman. Se llama ‘Caught In The Trees’ y lo presentan como el más rockero de todos sus álbumes, que son ¿nueve?, y el que ha marcado un punto y aparte en las letras, que ya no son tan frágiles. En la web del sello se regala el mp3 de una de las canciones, ‘Gillian Was A Horse‘ y Damien Jurado estará presentando el álbum en España en una amplia gira: el 19 de noviembre en Huelva, el 20 en Puerto Real, el 21 en Valencia, el 22 en Mallorca, el 23 en Santander, el 24 en Madrid y el 25 en Barcelona. Para más detalles sobre la gira consultar su MySpace.

Efectivamente hay momentos rockeros en ‘Caught In The Trees’, como ‘Caskets’ o ‘Best Dress’, pero por el tipo de contención y el bajo número de bpm, el nuevo trabajo de Damien Jurado podríamos emparentarlo fácilmente con el slowcore de Low. Además, hay algo en estas canciones que definitivamente recuerda a los mormones más famosos del indie y es el tipo de coros femeninos, igualitos que los de Mimi.

Alguna melodía podría resultar más luminosa, como la preciosa ‘Trials’, en la que Damien canta “puedes volver cuando te aclares”, pero el conjunto, incluso en los momentos más folk, resulta algo sucio y oscuro con temáticas que van del suicidio (’Caskets’) a la mentira (’Gillian Was A Horse’). Valiéndose de cuerdas (’Last Rights’, ‘Paper Kite’) o pianos (’Dimes’, ‘Sheets’), Damien Jurado ha compuesto otro bonito álbum melódicamente que gustará a fans de Cat Power, Sparklehorse o Bonnie “Prince” Billy.

· Damien Jurado - Lion Tamer ·


Los Piratas

Los Piratas (o simplemente Piratas) fue una banda española de Vigo que empezó haciendo pop-rock, pero eventualmente experimentaron hacia sonidos mas alternativos, convirtiéndose en uno de los máximos representantes del rock alternativo y el indie en España. Editaron cinco álbumes de estudio, dos directos, un recopilatorio y cuatro discos de rarezas. Se disolvieron en 2004. Su último disco fue Fin de la 2ª parte, donde se despidieron de sus fieles acompañados por Amaral y Enrique Bunbury, entre otros artistas.

El primer disco de la banda fue un directo, Los Piratas, grabado en CDB en octubre de 1992, producido por Javier Abreu y editado por Warner Music Spain. El repertorio seleccionado, con Iván Ferreiro y Paco Serén como principales compositores, fue el embrión de su primer álbum de estudio, Quiero hacerte gritar (1993), también producido por Abreu. Se trata de un elepé de pop-rock un tanto juvenil, para nada representativo de lo que llegaría a ser la banda. No obstante, destacan canciones como Otra vez o El sabor de las cosas.


Poligamia
, su segundo álbum, vio la luz en 1995 y tiene influencias del pop español de los años 1980. La producción corre a cargo de Juan Luis Giménez (Presuntos Implicados). Además, incluye una versión de Tequila (Dime que me quieres) y las colaboraciones de Mikel Erentxun y Diego Vasallo (Duncan Dhu). Poligamia supuso un paso adelante en la madurez de la banda y aportó el mayor himno de su carrera: Promesas que no valen nada. El teclista del grupo, Raúl Quintillán, abandonaría Los Piratas al término de esta etapa, aunque colaboró en el siguiente disco.


Manual para los fieles
(1997) constituyó el inicio de un cambio: endurecimiento del sonido, estructuras más complejas y mayor profundidad en las letras. Según Ferreiro, con este álbum «empezamos a saber lo que se puede hacer en un estudio con total independencia. Nos quitamos las barreras». Juan Luis Giménez continuó a la producción. Destacan éxitos de altura como Mi coco, M o Mi matadero clandestino. El listado de colaboradores fue extenso: Kepa Junquera, Anxo Pintos, Antón Reixa, Miqui Puig (Los Sencillos), Sole Giménez… A modo de curiosidad, cabe decir que Mi matadero clandestino se incluyó en la BSO de la película Batman y Robin, y M, en la de Mensaka.


En 1999, Warner editó el primer álbum recopilatorio de Los Piratas: Fin (de la primera parte). Los dos temas inéditos que se grabaron para el disco, Vacío y Hoy por ayer, continuaban la evolución marcada por Manual para los fieles y se adentraban en terrenos más sombríos. Este álbum también incluía una nueva versión de Promesas que no valen nada llamada Promesas 98. Ese mismo año les fue encomendada una versión del tema My Way, de Paul Anka, para un spot de telefonía móvil (Airtel), lo que hizo que fueran ampliamente reconocidos a nivel nacional. Dicha versión se incluyó en una reedición inmediata de Fin (de la primera parte) y en un recopilatorio de las mejores versiones jamás realizadas de My Way.

Ultrasónica
(2001) fue la culminación del cambio iniciado con Manual para los fieles, aún con Juan Luis Giménez como productor. Sonido más fiero que nunca, uso de la electrónica, atmósferas enrarecidas y letras angustiosas. Por si fuera poco, el grupo se presentó como Piratas, a secas. Warner se negó en un principio a editar el álbum por considerarlo demasiado comercial para el circuito independiente, y demasiado independiente para el mainstream. No obstante, Años 80 tenía madera de éxito y la discográfica terminó cediendo; no en vano el single se convirtió en un éxito instantáneo, y el álbum aclamado por la crítica como uno de los mejores del año, amén de obtener el Disco de Oro (más 50.000 copias vendidas).


Ese mismo año, el elepé se reeditó con un disco extra: Sesiones perdidas. Se trata de un compendio de inéditos, remezclas, rarezas y temas en directo. Los inéditos no sólo estaban a la altura del disco original, sino que se sitúan lo mejor de la banda: Espacio denso, Evil Fly, Bailar… Mención aparte merece el último corte del cedé, una pista extra llamada «…odoT», que debe escucharse del revés.


En 2003, Piratas grabaron su último disco de estudio, Relax. Este álbum, de pulso más calmado pero no menos oscuro que el anterior, se consagró definitivamente a la electrónica y supuso un punto de ruptura. Algunos fieles lo alabaron, mientras que otros lo aborrecieron por alejarse demasiado de la línea rockera del quinteto. Suso Saiz fue el productor encargado de dar forma al nuevo repertorio. Junto a Relax se editaron tres sencillos que adjuntan multitud de rarezas y superan el formato CD-Single: Inerte, Respuestas y Dinero.


En esta época, Piratas colaboraron con tres versiones en tres discos distintos: Otros como yo (tributo a 091), Bésame mucho (BSO de Machín, toda una vida) y Ésta es tu vida (tributo a Hombres G). También en 2003, Warner lanzó Los vídeos, un DVD que recopila todos y cada uno de los videoclips grabados por el grupo vigués: Quiero hacerte gritar, Dentro del mar, Promesas que no valen nada, Mi matadero clandestino, Fecha caducada, My way, Años 80, Espacio denso, Inerte, Tío vivo, Esta es tu vida y Otros como yo. Como material extra incluye todas las portadas y las listas de canciones de todos sus discos y singles.


El 24 de octubre de 2003 tuvo lugar en la sala madrileña Riviera uno de sus últimos conciertos. Este concierto fue grabado, convirtiéndose en su último disco editado: Fin de la 2ª parte. En el mes de diciembre tuvo lugar el que sería su último concierto como banda en la sala madrileña Galileo Galilei. Dos meses más tarde, en febrero de 2004, anunciaron su disolución y empezaron a trabajar en distintos proyectos.


Iván Ferreiro volvió a fichar por Warner y lanzó su primer disco en solitario: Canciones para el tiempo y la distancia (2005), Las siete y media (2006)
y mas tarde Mentiroso Mentiroso (2008).

Alfonso Román, por su parte, se unió a Suso Saiz para formar Trash of Dreams, minimal electrónico cuyo disco («Plurals») salió a la calle a finales de 2005. En septiembre de 2006 salió al mercado el primer trabajo en solitario de Fon Román, que lleva por título Silencio cómodo en un jardín descuidado. Pablo Álvarez acompaña a Fon en directo. Paco Serén y Hal estuvieron con la banda viguesa Ectoplasma, con la que sacaron un disco «Amor por lo paranormal». Sin embargo, ambos abandonaron la banda, pero continuaron en nuevos proyectos personales. Actualmente Paco Seren y Pablo Álvarez experimentan junto a sonidos procedentes de la India en «Om/Off».


Parte de la historia de Piratas se resume en un libro titulado Empatía: Conversaciones con Piratas, escrito por Gaby Davila y editado por Zona de Obras y la SGAE. Se trata de conversaciones con sus cinco componentes por separado, sin dirección alguna.

· Los Piratas - Promesas que no valen nada ·

domingo, 4 de enero de 2009

Lambchop


Lambchop, originalmente Posterchild, es un grupo musical de Nashville, Tennessee formado en 1986. Lambchop está relacionada con el country alternativo, aunque su música no es fácil de encuadrar genéricamente.

El portal musical Allmusic se refiere al grupo como «arguably the most consistently brilliant and unique American group to emerge during the 1990s» [1] (posiblemente el único y más consistentemente brillante grupo americano surgido en los años 90).

Formado alrededor de Kurt Wagner, el grupo ha incorporado influencias del post-rock, soul y del lounge.


· Lambchop - Is a woman ·


Nacho Vegas & Christina Rosenvinge


Nacho Vegas (Ignacio González Vegas) (Gijón, 9 de diciembre de 1974) es un cantautor español que estilísticamente oscila entre la música folk, el pop y el rock.

Nacho Vegas participó de pleno en la primera hornada de la edad del indie español, de la mano de Eliminator Jr., banda local de influencias noise donde empezó a tocar a principios de los años 90. También fue miembro fundador de Manta Ray, formación que alcanzó reputación internacional a nivel de crítica gracias a un personal sonido y a su sólida puesta en escena.

A finales de la década de los noventa, Vegas abandonó el grupo para desarrollar una carrera en solitario que, por el momento, ha dado lugar a tres álbumes y multitud de cortes repartidos en recopilatorios, split-singles, mini-CD’s e incluso bandas sonoras. El proyecto Diariu, donde unió sus partituras a los versos del poeta Ramón Luis Bande, precedió la aparición de su primer trabajo en solitario, Actos inexplicables (2001). El disco logró colocarse entre lo más destacado del año para la prensa especializada, e incluso consiguió distribución internacional a escala independiente. Sus últimos trabajos, de 2005, son El hombre que casi conoció a Michi Panero, Desaparezca aquí, Esto no es una salida y El tiempo de las cerezas, disco que comparte con el aragonés Enrique Bunbury.

Christina Rosenvinge nacida el 29 de mayo de 1964 en Madrid, es una cantautora española de música rock/pop.

Nacida en Madrid e hija de padre danés y madre inglesa, Christina en la actualidad cuenta con pasaporte danés debido a ello posee doble nacionalidad. Desde muy chica despertó sus afanes musicales interpretando canciones en el colegio y formando en la época de secundario su primera banda gracias a la gente que va conociendo de adolescente en la movida madrileña de los 1980 debutando de esta manera como cantante y posteriormente como compositora en la banda Ella y Los Neumáticos. Con la cuál efectuó sus primeras armas en el mundo musical.

Después se incorpora a Magia Blanca, donde conoce al compositor y multi-instrumentista Álex de la Nuez, con quien forma a finales de la década (1988/1989) un dúo llamado Alex y Cristina. Grabando así dos álbumes antes de separarse a principios de los 1990.

En 1991 esta compositora crea, con un grupo de amigos, una banda que daria mucho que hablar en el futuro denominado Christina y Los Subterráneos debutando en 1991 con el disco «Que me parta un rayo» gracias a la ayuda de Alejo Stivel.

Su talento sobresale de forma impactante, tanto por la profundidad y dolor de sus canciones, como sucedió con la balada «Mil Pedazos», la cual es en la actualidad un clásico de las baladas rockeras de los años noventa, junto a temas como «Voy en un coche», «Tu por mi» y «Señorita»,los mismos, marcaron una escuela interesante en sudamérica en cuanto al despertar femenino rockero en países como Colombia, Perú, Bolivia, Argentina y el Uruguay.

El éxito de este álbum fue tal, al extremo que llego a puestos de privilegio en mercados tan difíciles como los de México, Argentina, Chile, Colombia y hasta inclusive en otros ámbitos poco abiertos al rock iberico como Perú, Bolivia, Uruguay, Paraguay, Venezuela y Panamá.

Gracias a su talento y el de sus compañeros esta, hispano-danesa ingresó a festivales de renombre como el de Viña del Mar (Chile), cabe mencionar que en esa época los organizadores del Festival del Parque de la Costa en Argentina, estuvieron muy cerca de llevarla a Mar del Plata para que actuara, pero aquello no se cristalizó. De ahí en mas Christina Rosenvinge grabó conciertos exclusivos como el de TV5 y Canal +, obteniendo así una fuerza que demostró su calidad y fuerza artística. Marcando una línea que dio mucho que hablar, rompiendo el estereotipo de las mujeres en el rock.

Ya en 1994 Christina y Los Subterráneos lanzan su segundo y definitivo trabajo bajo la producción de Niko Bolas con el cual editan «Mi pequeño animal», este álbum no tuvo la fuerza del anterior material debido, a la fuerza sexual y moral con el cual contaba, ya que la canción «mi pequeño animal», fue vetada en países tan «moralistas y religiosos», como Chile, Paraguay y Ecuador.

El trabajo armónico de este producto marcó una tendencia clara de Christina en ese entonces… de que… es una «ROCKERA DE VERDAD», que guays, pero con el tiempo ella misma admitiria que la rubia de aquel disco, muy en el fondo no era ella, debido a que su fragilidad natural, le impedía ser la rockera de verdad que en los actos decía ser, de hecho en este disco, es también destacable la intervención de Andrés Calamaro en los coros de la canción «Al fin sola al fin loca» (la cual refleja un sentimiento muy grande culpabilidad, crudeza y abandono), encaminando la misma la tendencia de los discos de la Rosenvinge para el futuro.

En 1994, conoce a Lee Ranaldo (guitarrista de Sonic Youth) con quien trabajaría en varias producciones como solista. Christina Rosenvinge, entra en un receso que deja a sus fans en un limbo hasta que se presenta en solitario con el disco ‘‘Cerrado’’ en 1997, con el cual ya pierde el carácter cormecial de «Que me parta un rayo», siendo ya de ahí en mas una artista que saca discos para sus fans y no así para la industria disquera, llegando a promociones muy pobres y endebles reduciéndose a cuatro países en sudamérica (Argentina, Bolivia, Perú y Chile) y en una que otra emisora en México, debido al rotundo fracaso comercial de la propuesta que hacía «Cerrado» con su propuesta bi-lingue en su canto ya que contaba con canciones en español e inglés,la música de estrecho conocimiento de habla hispana producida por Warner Music cancela el contrato con Christina,y de ahí en mas la cantautora se las veria a cara de perro con el futuro de su carrera.

Pero…los fans de la Rosenvinge la apoyaron y lograron entender este trabajo que mostraba el lado «oscuro» de esta rubia que marcaría nuevamente una escuela de ahí en mas en cantantes como Nicole, Julieta Venegas y muchas bandas alternativas en los países a los cuales llego este material con canciones como «easy girl», «amarillo», «máquinas de fax» y «sábado», track que fue considerado por los fanáticos sudamericanos como el mejor tema del disco, demostrando una vez más que la obscura y bella fragilidad de Christina sería el arma más poderosa que esta tendria de ahí en mas.

En 1998 se va a Nueva York donde sus amigos de Sonic Youth le ayudan a introducirse en el circuito de salas de la ciudad y a preparar ‘Frozen pool’ con la discográfica Smells Like Records y obtiene buenas críticas de la prensa especializada estadounidense. En ‘Foreign land’ (2002) aparecen fotografías de Ray Loriga, escritor y cineasta del que era(se separaron en el año 2006) pareja sentimental.

También ha hecho sus incursiones en el mundo de la televisión, y ha presentado los programas musicales FM2 (1988-1989), de Diego A. Manrique, en TVE y Nosolomúsica (2004-2005) en Telecinco. Como actriz ha participado en las peliculas Todo es mentira (1994, junto Penélope Cruz y Coque Malla) y en La pistola de mi hermano (1997, de Ray Loriga).


Ahora Nacho y Christina han grabado un mini-album llamado Verano Fatal.


· Nacho Vegas & Christina Rosenvinge - Verano fatal ·


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